空の音色〜ヴァイオリンとわたし、そして。。。

さて、シリーズもとびとびながら４回目。
今日は、奏法テキストについて。



写真には５人の著者の本を載せてみました。


まず本格的にトライするなら、この本からでしょう。
「ヴァイオリン演奏の技法（上）（下）」
カール・フレッシュといえば、このシリーズの初めの頃に
スケールの教則本として取り上げました。
上下二巻あり、値段も高いので躊躇しますが、カール・フレッシュにレッスン代を払う、
と考えれば、たいしたものではありません。
練習中に、「何でできないんだろう？」
「どこかおかしいのだろうから弾けないのだろうが、どこをどう直したらいいのかわからない」
などと感じた時、パッとコレを開けば
大抵のことはフォローされている宝箱のような本だと思います。
もっとも、目の前で手を取って教えてもらう方が
速いに決まっていますけれどね。笑
ヴァイオリンに本来「正しい弾き方」「正しい奏法」など、無いと私は思っています。
極論のようですが、理想の音が出せれば、何でもいいのです。
ただ、そのための近道はあり、無駄な練習をするのは
やはり誰しも避けたいはずです。
それを、名教師というのは、パッと見抜き
サクっと手を添えて、魔法のように弾けさせてしまうものなのです。
どんな練習をしたらいいのか、あるいは
どう出来ない技術を克服するのか、
そんな迷いごとはこの本に相談するといいと思います。

さて、次は「ヴァイオリン奏法と指導の原理」

イヴァン・ガラミアンのこの本。
アメリカのソリストといえば大抵この人についていた、
といえる名教師で有名なガラミアン。
前述のフレッシュの本を元に編纂されています。
先ほど述べたとおり、伝統的な「奏法」という意識を排除したい、
という想いも込められて書かれたようです。
”絶対不変の法則などではなく、あらゆる場合に通用し”
”生徒はそれぞれの個性”を肉体的にも感情的にも備えている、
これに対応できてこそ、教師である、という前提。
これにはわたしも苦労した身なので、大賛成なのです。笑
カール・フレッシュより新しいので、その補足的な本とも取れます。


お次は、かのシゲティ。
「シゲティのヴァイオリン演奏技法 ～個性的表現の理論と実践」
さすがプレイヤーだけあって、その説き方は非常に現実的な視点。
従って、フレッシュのように緻密に技法について述べてはいません。
しかし、「ここをあなたは、どう弾きたいのか、それに対して
この楽譜はあなたにどういう風に、何を弾いてほしいと伝えているのか。」
という問いを、さまざまな楽譜のシチュエーションを取り出しながら、発してくれます。
音楽を愛するからこそ、技術に拘る、という基本的な順序をきちんと提示しています。
こちら「ヨーゼフ・シゲティ　ヴァイオリン練習ノート」との併読をお勧めします。

技術のための技術ではないのに、テクニカルな練習を沢山しすぎて
ただ”練習満足”をしてしまっている奏者、
弾けてなんぼ、と割り切りすぎてしまった学生さんや
コンクールなどで伸び悩んでいる奏者にこそ、
読んで頂きたい本です。
楽譜には、もっともっと細かい指示、想いが書きこまれています。
それを引き出し、表現できなくては、技巧練習に意味は無いし、
お客さんがこころを動かされることも難しいのです。

さて、次はこちら。

レオポルド・モーツァルト、つまり
ちまたで有名なモーツァルトのお父さんの書いた奏法本です。
その名もズバリ（笑）、「バイオリン奏法」
かなり古い、ということはお察しのとおり。
ただし、ベートーヴェン時代くらいまでは
バロックヴァイオリン型で弾かれていたことを考えれば、
バロックヴァイオリンを弾く身でなくとも、読んでおく価値があります。
但し、気をつけなくていはいけないのが
やはり、楽器が違う、という点。書いてあること全てを
現代に持ち越すつもりでの”鵜呑み”は無理です。
もっとも…これは何につけず、
あらゆることに云えることでもありますが。

古楽に興味のある方は、こちら「バロックのヴァイオリン奏法」も参考になるでしょう。
ジェミニアーニも当時の名教師兼演奏家なので、
話はかなり具体的だし、読んでいて面白い、という点は
レオポルドの本と共通するでしょう。

非常に簡単にかいつまんだ解説ですが、
これらの力作、とか、労作、大作ともいえ、
あるいはヴァイオリンを教える、ということに一生を賭けたひとの著作は
実際上役に立つ、たたない、というだけのものではなく
その人生の重みすら感じる部分が随所に現れ、
とても読み応えがあり、面白いと思います。

素晴らしい演奏家だからと言って
教えることが上手いとは、全く限らず、
かといって、両方できるひともあれば
両方出来ない人もいる。

わたしは、教師自身もステージに立つことは
とても重要なことだと考えています。
ステージの上の出来事は、ステージを知らない物には
扱いようが無いのではないか…、と感じます。
伝達することの重要性と、その難しさは、日常とシンクロしながら
自分の中で絡み合い、もつれつつも
歳追うごとに、熟され、柔らかく、丸くなっていくものです。
ステージに立たないなら、せめて、そこをしっかりと
意識する日常であることが必要でしょう。

楽器というのは、家の中で一人で弾くだけの効用目的のみではなく、
人と共感し合ったり、投げかけて手ごたえを感じ合う、などの
何らかのサインをもたらすのが　本来の楽器の役目
あるいは、人の声の役目なのですから、
意思や目的を伝えられなくては、意味は半分以下になってしまいます。

教師も演奏家も、引き出しの多さが、まずはものを言います。
それには
おそらく、自分の人生がどれだけチャレンジに満ちていたか
ということであるのかもしれないですね。

チャレンジのない、または　
自分で新しくチャレンジすべき点を思いつかない練習というのは、
つまり、問題あり、ということではないかしら。。。。

練習とは、それを自分に　日々少しずつ課す訓練なのではないでしょうか。